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NUR FÜR SCHULKLASSEN

Mitten in Paris: Ein Lycée geht eine verrückte Wette ein und beschließt, durch ein Hip-Hop-Projekt benachteiligte Jugendliche in die Vorzeigeschule zu integrieren. Die Teenager stellen ihre Wünsche und Träume dar, aber auch ihre Zweifel und Verletzungen.

Angelina Maccarones Dokumentarfilm nähert sich der Schauspielerin Charlotte Rampling als Tabubrecherin, Stilikone, Weltstar und mutiger Avantgardistin. In neun Kapiteln zeigt Maccarone verschiedene Facetten der Schauspielerin mit Weggefährten wie Paul Auster oder Peter Lindbergh im Gedankenaustausch über Alter, Schönheit, Tod und Liebe. Die Besonderheit des titelgebenden „Look“ Ramplings erklärt Maccarone so: „Sein Geheimnis liegt in der Zweideutigkeit dieses Wortes: Ihrem Aussehen, das die Blicke auf sich zieht – und ihrem Blick aus diesen Augen, in denen schon Visconti zu erkennen meinte, dass sie alles gesehen hätten.“

Maren Ades zweiter Spielfilm über ein Paar, das im Urlaub auf Sardinien emotionale Höhen und Tiefen durchlebt, wurde auf der Berlinale 2009 mit dem Großen Preis der Jury und dem Silbernen Bären für Schauspielerin Birigit Minichmayr ausgezeichnet. Maren Ade: „Ich wollte einen Film machen über das verworrene, einzigartige Gebilde, das zwei Menschen ergeben, wenn sie eine Liebesbeziehung führen. Die Hauptfigur sollte ein Paar sein und keine einzelne Person.“(Berlinale)

Als die 12-jährige Neneh an der renommierten Ballettschule der Pariser Oper aufgenommen wird, kann sie ihr Glück kaum fassen. Tanzen war schon immer ihre Leidenschaft. Als einziges Schwarzes Mädchen an der Schule merkt sie jedoch bald, dass sie es trotz ihres unbestrittenen Talents schwerer hat als ihre Mitstreiterinnen. Besonders die traditionsbewusste Direktorin Marianne Belage lässt Neneh spüren, dass sie nicht wirklich willkommen ist. Doch Neneh kämpft selbstbewusst weiter für ihren großen Traum, nicht ahnend, dass Madame Belage ein Geheimnis hütet, das sie mit der kleinen Ballerina verbindet.

Der talentierte Rapper Antoine schlägt sich als Lieferdienst-Kurier in den Pariser Banlieues durchs Leben. Bei einer Sushi-Lieferung in der Pariser Oper trifft er durch Zufall auf Madame Loyseau, die sein Talent als Opernsänger sofort erkennt. Als Madame Loyseau Antoine als Schüler aufnimmt, verbirgt er seinen neuen Traum vor seinen Freunden und seiner Familie und stürzt sich in ein Doppelleben zwischen der vergoldeten Pariser Oberschicht und der rauen und gleichzeitig familiären Vorstadt. Doch bald holt die Wirklichkeit Antoine ein und zwingt ihn, seine eigene Stimme zu finden…

Anfang der 1970er Jahre: Die unter Epilepsie leidende Michaela zieht für ein Studium nach Tübingen. Sie ist glücklich, das kleinbürgerliche Umfeld hinter sich gelassen zu haben. Doch Michaela wird von ihrer Vergangenheit eingeholt und kämpft trotz ärztlicher Behandlung mit Anfällen und Wahnvorstellungen. Sie hört Stimmen und glaubt, von Dämonen besessen zu sein. Schließlich stimmt sie einem Exorzismus zu. Hauptdarstellerin Sandra Hüller gelang mit REQUIEM der Durchbruch.

„Rays Musical aus dem Jahr 1969, das zu einem seiner größten Hits wurde, basierte auf einer Kurzgeschichte seines Großvaters für das Magazin Sandesh, das dieser 1913 gegründet hatte, um die Qualität der Literatur für Kinder in Bengalen zu verbessern. In seiner Adaption verwandelt Ray diese zauberhafte Geschichte zweier wenig talentierter Musiker in ein Musical. Er stellt dabei die folkloristischen Idiome des Originals in den Vordergrund und beschwört eine besondere bengalische Welt, die aber offen bleibt für den Rest der Welt.“ (Bhaskar Sarkar) Restored by the Satyajit Ray Preservation Project at the Academy Film Archive.

Babs hat endlich Sommerferien und verbringt die Tage Skateboard-fahrend mit ihrem besten Freund. Dann geht auch noch ein Traum für sie in Erfüllung: ein eigenes Haustier! Zwar kein Hund, aber dafür ein lustiges, rosa Ferkel. Doch das Geschenk des Großvaters, der jahrelang verschwunden war und nun frisch zurückgekehrt ist aus Amerika, ist nicht ohne Hintergedanken: In ein paar Wochen steht der Wurstkönig-Wettbewerb vor der Tür. Auch Babs‘ Eltern sind misstrauisch, besonders ihre Mutter: Sie hat nicht nur Angst um ihren Garten, sondern auch um die Absichten des Großvaters. Ein mit großem Einfallsreichtum und detailverliebt in Szene gesetzter Stopp-Trick-Animationsfilm, der rasant und komisch vom Recht erzählt, ein Schwein zu sein.

Maren Ades zweiter Spielfilm über ein Paar, das im Urlaub auf Sardinien emotionale Höhen und Tiefen durchlebt, wurde auf der Berlinale 2009 mit dem Großen Preis der Jury und dem Silbernen Bären für Schauspielerin Birigit Minichmayr ausgezeichnet. Maren Ade: „Ich wollte einen Film machen über das verworrene, einzigartige Gebilde, das zwei Menschen ergeben, wenn sie eine Liebesbeziehung führen. Die Hauptfigur sollte ein Paar sein und keine einzelne Person.“(Berlinale)

„Ein grandioser Regieeinfall: Zwei Staatsdiener (Franco Nero als Staatsanwalt und Martin Balsam als Polizist) brüllen sich in der Gebirgswüste Siziliens an. Sie (…) trennen sich unversöhnt. Beide steigen vor Wut versehentlich ins Auto des anderen. Die Kamera zieht auf, und wir sehen, dass sie einen sehr ähnlichen Kleinwagentyp fahren, beide schwarz. Sie bemerken den Irrtum gleichzeitig, steigen wieder aus, und jeder geht schweigend und trotzig am anderen vorbei zu seinem richtigen Auto. Diese Idee erzählt natürlich, dass sie eigentlich aus dem gleichen Schrot und Korn gemacht und beide alles andere als bestechlich sind. Am Ende des Films werden sie einander als einzige noch vertrauen können in der zersetzenden Atmosphäre, die die Machenschaften der Camorra über ein ganzes Land legt. [...] DER CLAN, DER SEINE FEINDE LEBENDIG EINMAUERT ist einer der besten Mafiafilme überhaupt, und Franco Nero erzählt in einem Interview stolz, dass kein anderer italienischer Film jemals international so gut verkauft wurde. Der enorme Erfolg gerade dieses Films muss mit den fabelhaften Schauspielern, dem unverwechselbar italodynamischen Erzählstil, mit der förmlich spürbaren Wut des Regisseurs auf die verdorbene Führungsschicht seines Landes und vor allem mit der wirklich atemberaubenden Geschichte zu tun haben.“ (Dominik Graf, in: Schläft ein Lied in allen Dingen)

Lon Chaney war im amerikanischen Kino der 1920er Jahre wegen seiner enormen Verwandlungsfähigkeit als der „Mann mit den tausend Gesichtern“ bekannt. Auch in dieser ersten großen US-Verfilmung von Victor Hugos Roman beeindruckt er noch heute durch sein Spiel und natürlich seine für ihn überaus qualvolle Maske und sein Make-up, welche er selber konzipiert hatte. Aber auch darüber hinaus ist THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME einer der markantesten amerikanischen Stummfilme: In aufwändigen Sets wurde das mittelalterliche Paris rekreiert, und mindestens genauso beeindruckend wie die Massenszenen ist die emotional anrührende Beziehung zwischen Quasimodo und Esmeralda.

Die alleinerziehende Mutter Nadine verlässt mit 24 Jahren ihre brandenburgische Heimat, um einen Job als Fabrikarbeiterin in der Kohleindustrie bei Köln anzunehmen. Als sie beginnt, ihren impulsiven Kollegen Paul in seiner Vielschichtigkeit zu lieben, schafft sie es endlich wieder, auch sich selbst zu spüren. Die beiden werden ein Paar, doch sieben Jahre später erscheint Paul Nadine zunehmend eindimensional und fremd. Ihr Arbeitsplatz ist durch den Strukturwandel in der Kohleindustrie bedroht, und auch die Liebe zu Paul bröckelt. Sie beschließt, dagegen anzukämpfen und versucht, das, was sie einst in ihm sah, wiederzubeleben.

Babs hat endlich Sommerferien und verbringt die Tage Skateboard-fahrend mit ihrem besten Freund. Dann geht auch noch ein Traum für sie in Erfüllung: ein eigenes Haustier! Zwar kein Hund, aber dafür ein lustiges, rosa Ferkel. Doch das Geschenk des Großvaters, der jahrelang verschwunden war und nun frisch zurückgekehrt ist aus Amerika, ist nicht ohne Hintergedanken: In ein paar Wochen steht der Wurstkönig-Wettbewerb vor der Tür. Auch Babs‘ Eltern sind misstrauisch, besonders ihre Mutter: Sie hat nicht nur Angst um ihren Garten, sondern auch um die Absichten des Großvaters. Ein mit großem Einfallsreichtum und detailverliebt in Szene gesetzter Stopp-Trick-Animationsfilm, der rasant und komisch vom Recht erzählt, ein Schwein zu sein.

Ray adaptierte den gleichnamigen Roman des indischen Dichters, Musikers und Philosophen Rabindranath Tagore, der 1913 den Nobelpreis für Literatur erhielt: „Die Geschichte einer indischen Frau zwischen zwei Männern, die in das politische Geschehen von 1905 verwickelt sind, als die Engländer Bengalen in zwei getrennte Verwaltungsbezirke aufteilen wollen. (…) Eine Romanverfilmung klassischen Zuschnitts, die eine vielschichtige Reflexion bietet über Für und Wider einer liberalen, aber gewaltfreien Opposition und einer gewalttätigen nationalistischen Revolution sowie über die Stellung einer emanzipierten Inderin zwischen diesen Polen.“ (Filmdienst)

George Kelly war einer der berüchtigtsten US-Verbrecher der 1930er Jahre. Bekannt wurde er vor allem durch seine Beteiligung an der Entführung eines reichen Ölmagnaten in Oklahoma und seine Verhaftung durch FBI-Agenten, wobei er die berühmten Worte „Don‘t shoot, G Men“ gesagt haben soll. Roger Cormans MACHINE-GUN KELLY nimmt einige Elemente aus der Biographie dieser Figur auf – mit stark freudianischen Untertönen – und fügt sie zu einem klassischen Gangsterfilm zusammen. Die äußerst beschränkten Produktionsmittel verwandelte er dabei in einen Vorteil: Es entsteht eine reduzierte Welt schäbiger Hotelzimmer, schummriger Bars und einsamer Tankstellen. Charles Bronson hatte in diesem Film seine erste Hauptrolle.

Mitten in Paris: Ein Lycée geht eine verrückte Wette ein und beschließt, durch ein Hip-Hop-Projekt benachteiligte Jugendliche in die Vorzeigeschule zu integrieren. Die Teenager stellen ihre Wünsche und Träume dar, aber auch ihre Zweifel und Verletzungen.

THE MASQUE OF THE RED DEATH ist vielleicht die beste Poe-Verfilmung Cormans und zugleich auch die aufwändigste: Corman hatte fünf statt drei Wochen Drehzeit zur Verfügung; er arbeitete zum ersten Mal in England und konnte Sets der Großproduktion BECKET verwenden. Das Drehbuch kombiniert die gleichnamige Geschichte mit Motiven der Erzählung „Hop-Frog“, ebenfalls von Poe. Die Handlung des Films ist im Mittelalter in Italien angesiedelt. Prinz Prospero ist Satanist und feiert auf seinem Schloss ein großes Maskenfest, während draußen die Pest wütet. Äußerst raffiniert ist die Farbgestaltung, besonders auffällig im Falle der vier verschiedenfarbigen Räume. Corman arbeitete hier zum ersten Mal mit dem Kameramann Nicolas Roeg, dem späteren Regisseur, zusammen.

Anfang der 1970er Jahre: Die unter Epilepsie leidende Michaela zieht für ein Studium nach Tübingen. Sie ist glücklich, das kleinbürgerliche Umfeld hinter sich gelassen zu haben. Doch Michaela wird von ihrer Vergangenheit eingeholt und kämpft trotz ärztlicher Behandlung mit Anfällen und Wahnvorstellungen. Sie hört Stimmen und glaubt, von Dämonen besessen zu sein. Schließlich stimmt sie einem Exorzismus zu. Hauptdarstellerin Sandra Hüller gelang mit REQUIEM der Durchbruch.

Die 1923er-Version des Stoffs wurde noch übertroffen durch dieses Remake von 1939, die wohl beste Verfilmung von Hugos Roman und der bis dahin teuerste Film der Produktionsfirma RKO. Auch diesem Film gelingt es auf überaus beeindruckende Weise, das Paris des 15. Jahrhunderts auf der Leinwand wiedererstehen zu lassen, und Charles Laughton in der Rolle des Glöckners Quasimodo ist Lon Chaney in jeder Hinsicht ebenbürtig. In der Rolle der Esmeralda sieht man Maureen O’Hara in ihrem ersten US-amerikanischen Film. Angesichts des drohenden Krieges in Europa betonten die Drehbuchautorin Sonya Levien und der Regisseur William Dieterle die humanistische Botschaft des Films.

Die schwer traumatisierte Benni ist laut, rebellisch und unberechenbar. Das aggressive Verhalten der Neunjährigen führt dazu, dass sie von einer Pflegefamilie und Wohngruppe zur nächsten zieht, dabei wünscht sie sich nichts mehr als die Zuneigung ihrer Mutter. Ein einfühlsames Plädoyer für die vermeintlich Dysfunktionalen, grandios gespielt von Helena Zengel. Beim Deutschen Filmpreis wurde Nora Fingscheidts Debüt mit acht Auszeichnungen geehrt und ging 2020 als deutscher Beitrag für die Oscars© ins Rennen.

Yella will ihre gescheiterte Ehe und den ostdeutschen Kleinstadtmief hinter sich lassen. Ihr Ziel ist der Westen, der Arbeit und Zukunft verspricht. In Hannover lernt sie den Geschäftsmann Philipp kennen und bewährt sich als seine Assistentin. Alles erscheint leicht – wie ein Spiel mit lauter Gewinnern. Doch immer wieder dringen seltsame Stimmen und Geräusche aus der Vergangenheit in ihr neues Leben. Nina Hoss erhielt für die Rolle der Yella den Silbernen Bären als Beste Hauptdarstellerin.

Am Ende eines verregneten Arbeitstages findet ein Bankangestellter zufällig einen geheimnisvollen Kieselstein. Wenig später stellt er fest, dass der Stein jeden Gegenstand, den er berührt, in Gold verwandeln kann und es entspinnt sich eine Geschichte zwischen Komik und Fantastik: „PARASH PATHAR von 1958 ist ein leichtfüßiges Gedankenexperiment, das von Kritik und einem gebildeten Publikum zunächst als Komödie abgetan wurde, die nur von lokalem Interesse sei, die aber Ebenen und Bezüge aufweist, die darüber weit hinausweisen. Ray sprach gerne davon, wie viel Spaß er beim Drehen hatte. Freude, eher denn Humor, ist denn auch der Schlüssel zur Stimmung dieses Films.“ (Neepa Majumdar) Restored by the Satyajit Ray Preservation Project at the Academy Film Archive with funding from The Film Foundation. Print courtesy of the Academy Film Archive.

Brav, lieb und ehrlich – das ist Lucy. Doch damit soll nun Schluss sein. Denn seitdem die teure Eismaschine kaputt ist, steht die Eisdiele ihrer Eltern vor dem Aus. Die Zehnjährige startet die „Operation Lucyfer“: Sie will in ihrer Not die Bank in Bietigheim-Bissingen ausrauben. Knallbunt und total überdreht erzählt die Komödie von einem Mädchen, das eine ganz andere Seite an sich kennenlernt und damit für viel Aufregung sorgt.

X, auch bekannt als THE MAN WITH THE X-RAY EYES (der für Werbezwecke verwendete Titel), handelt von einem Mediziner, der an der Entwicklung von Augentropfen arbeitet, die die menschliche Sicht in andere Wellenlängenbereiche erweitern sollen. Als echter Wissenschaftspionier testet er sein Präparat an sich selbst: Es funktioniert, aber er verliert zunehmend die Kontrolle über die Folgen. Mit unaufwändigen Mitteln aber großer Effizienz steigert Corman die Geschichte des Wissenschaftlers, der sich immer mehr in sein Experiment steigert und nicht mehr herausfindet. Von besonderem Reiz sind dabei die durch das Mittel hervorgerufenen Visionen, wobei mit Hilfe von Prismen besondere Farbeffekte erzeugt wurden.

Als der schwerkranke Kaiser Tiberius 37 n. Chr. einen Nachfolger sucht, ahnt er nicht, dass er das Opfer einer Intrige seines Neffen Gaius, auch Caligula genannt, werden wird. Erfolgreich ergreift er die Macht. Doch es dauert nicht lange bis seine Neigung zu Gewalt und sexueller Ausschweifung überhandnimmt und Rom in Orgien, Willkür und Angst versinkt. Tinto Brass‘ CALIGOLA beeindruckt noch heute durch seinen, transgressiven Charakter, sein opulentes Szenenbild und seine hochkarätige Besetzung um Malcom McDowell als wahnsinnigem Caligula.

Am Ende eines verregneten Arbeitstages findet ein Bankangestellter zufällig einen geheimnisvollen Kieselstein. Wenig später stellt er fest, dass der Stein jeden Gegenstand, den er berührt, in Gold verwandeln kann und es entspinnt sich eine Geschichte zwischen Komik und Fantastik: „PARASH PATHAR von 1958 ist ein leichtfüßiges Gedankenexperiment, das von Kritik und einem gebildeten Publikum zunächst als Komödie abgetan wurde, die nur von lokalem Interesse sei, die aber Ebenen und Bezüge aufweist, die darüber weit hinausweisen. Ray sprach gerne davon, wie viel Spaß er beim Drehen hatte. Freude, eher denn Humor, ist denn auch der Schlüssel zur Stimmung dieses Films.“ (Neepa Majumdar) Restored by the Satyajit Ray Preservation Project at the Academy Film Archive with funding from The Film Foundation. Print courtesy of the Academy Film Archive.

Yella will ihre gescheiterte Ehe und den ostdeutschen Kleinstadtmief hinter sich lassen. Ihr Ziel ist der Westen, der Arbeit und Zukunft verspricht. In Hannover lernt sie den Geschäftsmann Philipp kennen und bewährt sich als seine Assistentin. Alles erscheint leicht – wie ein Spiel mit lauter Gewinnern. Doch immer wieder dringen seltsame Stimmen und Geräusche aus der Vergangenheit in ihr neues Leben. Nina Hoss erhielt für die Rolle der Yella den Silbernen Bären als Beste Hauptdarstellerin.

Brav, lieb und ehrlich – das ist Lucy. Doch damit soll nun Schluss sein. Denn seitdem die teure Eismaschine kaputt ist, steht die Eisdiele ihrer Eltern vor dem Aus. Die Zehnjährige startet die „Operation Lucyfer“: Sie will in ihrer Not die Bank in Bietigheim-Bissingen ausrauben. Knallbunt und total überdreht erzählt die Komödie von einem Mädchen, das eine ganz andere Seite an sich kennenlernt und damit für viel Aufregung sorgt.

Die schwer traumatisierte Benni ist laut, rebellisch und unberechenbar. Das aggressive Verhalten der Neunjährigen führt dazu, dass sie von einer Pflegefamilie und Wohngruppe zur nächsten zieht, dabei wünscht sie sich nichts mehr als die Zuneigung ihrer Mutter. Ein einfühlsames Plädoyer für die vermeintlich Dysfunktionalen, grandios gespielt von Helena Zengel. Beim Deutschen Filmpreis wurde Nora Fingscheidts Debüt mit acht Auszeichnungen geehrt und ging 2020 als deutscher Beitrag für die Oscars© ins Rennen.

Die acht Filme, die Roger Corman in der ersten Hälfte der 1960er Jahre mehr oder weniger frei nach Erzählungen oder Gedichten von Edgar Allan Poe drehte, begründeten sein Renommee bei der Kritik und dürfen auch heute als seine beeindruckendste künstlerische Leistung angesehen werden. THE RAVEN übernimmt von Poes gleichnamigem Gedicht eigentlich nur den Titel und den sprechenden Raben. Dr. Bedlo wurde von Dr. Scarabus in einen solchen verwandelt, Dr. Craven kann die Verwandlung jedoch rückgängig machen. Alle drei sind Zauberer und am Schluss kommt es zu einem großen Duell zwischen Dr. Craven und Dr. Scarabus. Die spielerischen und deutlich ironischen Untertöne des Films behindern nicht seine Wirkung als Horrorfilm, sondern steigern im Gegenteil das Sehvergnügen.

Die 1923er-Version des Stoffs wurde noch übertroffen durch dieses Remake von 1939, die wohl beste Verfilmung von Hugos Roman und der bis dahin teuerste Film der Produktionsfirma RKO. Auch diesem Film gelingt es auf überaus beeindruckende Weise, das Paris des 15. Jahrhunderts auf der Leinwand wiedererstehen zu lassen, und Charles Laughton in der Rolle des Glöckners Quasimodo ist Lon Chaney in jeder Hinsicht ebenbürtig. In der Rolle der Esmeralda sieht man Maureen O’Hara in ihrem ersten US-amerikanischen Film. Angesichts des drohenden Krieges in Europa betonten die Drehbuchautorin Sonya Levien und der Regisseur William Dieterle die humanistische Botschaft des Films.

Die acht Filme, die Roger Corman in der ersten Hälfte der 1960er Jahre mehr oder weniger frei nach Erzählungen oder Gedichten von Edgar Allan Poe drehte, begründeten sein Renommee bei der Kritik und dürfen auch heute als seine beeindruckendste künstlerische Leistung angesehen werden. THE RAVEN übernimmt von Poes gleichnamigem Gedicht eigentlich nur den Titel und den sprechenden Raben. Dr. Bedlo wurde von Dr. Scarabus in einen solchen verwandelt, Dr. Craven kann die Verwandlung jedoch rückgängig machen. Alle drei sind Zauberer und am Schluss kommt es zu einem großen Duell zwischen Dr. Craven und Dr. Scarabus. Die spielerischen und deutlich ironischen Untertöne des Films behindern nicht seine Wirkung als Horrorfilm, sondern steigern im Gegenteil das Sehvergnügen.

Einzeltickets können ab sofort online gekauft oder an der Kasse gekauft/reserviert werden. Dauerkarten können aus technischen Gründen nicht online, sondern erst ab 17.7. direkt an der Kasse gekauft werden, aber online oder an der Kasse reserviert werden.

“Find a man, who never killed, not even for the love of gold, singt Maurizio Graf in Francesco De Masis Titellied (…). Johnny Hamilton wäre wohl dieser Mann, würde ihn das Schicksal nicht zu einem handfesteren Eingreifen in die eigenen Geschicke (…) zwingen. Durch den Bürgerkrieg der Heimat entrissen, findet er alles einst so Vertraute nach der Rückkehr in Trümmern wieder. Der Vater von Banditen ermordet, die Mutter nun mit seinem eigenen Onkel, dem skrupellosen Claude, verheiratet – unter diesen Vorzeichen kommt es zum todessehnsüchtigen Familienkonflikt entlang von Shakespeares HAMLET.“ (André Malberg)
Zu sehen ist eine farbenprächtige italienische Technicolor-Kopie der vollständigen Fassung des einst nur stark gekürzt und irreführend synchronisiert unter dem Titel DJANGO - DIE TOTENGRÄBER WARTEN SCHON in die deutschen Kinos gekommenen Films, der auch in seiner herausragenden Bildgestaltung zu den frühen Höhepunkten in Castellaris Filmografie gehört.

„Rom. Inspektor Nicola Palmieri ist einer Erpresserbande auf den Fersen, seine Untersuchungen leiden jedoch unter ängstlichen Zeugen und feindseligen Vorgesetzten, die mit seinen Methoden nicht einverstanden sind. Fest entschlossen, alles zu versuchen, holt er sich zwei Kriminelle zur Hilfe. [...] (…) Mit RACKET lässt Castellari den Anspruch der urbanen Milieuzeichnung, den er mit EIN MANN SCHLÄGT ZURÜCK noch verfolgte, hinter sich und erzählt seine Geschichte wie ein abstraktes, grausames modernes Märchen. [...] Plot und Figuren verhalten sich funktional zu den überragenden Action-Sequenzen, die so stürmisch und aufwühlend sind, dass sie alles bis dato in Italien Entstandene in den Schatten stellen. Schon von der ersten Szene an, in der die Gangsterbande in Zeitlupe Geschäfte verwüstet und Autos anzündet, zieht Castellari alle Register. [...] RACKET ist nicht nur sein bester Film, sondern auch ein Wendepunkt für den italienischen Krimi überhaupt.“ (Roberto Curti, in: Italian Crime Filmography, 1968-1980)

„Hundefriedhöfe, Insektenrestaurants, Stierkämpfe, Körperwahn, religiöser Fanatismus, Umweltverschmutzung und vieles mehr verbinden sich zu einem bunten Bilderbogen aus skurrilen, exzentrischen und schockierenden Episoden aus allen Ecken der Welt, lose verbunden durch einen bissigen Kommentar, der letztlich stets den Menschen als größten aller Schädlinge entlarvt. Gualtiero Jacopetti und seine Mitstreiter Paolo Cavara und Franco E. Prosperi zeichnen mit dieser grellen Kompilage aus dokumentarischen Beobachtungen, arrangierten Sequenzen und handfesten Spielszenen ein ernüchterndes Menschenbild, das hemmungslosen Hedonismus, ein Zivilisationsstreben ohne Kulturanspruch und einen geradezu absichtsvollen Vernunftverzicht des Menschen vorführt.“ (Adam Kesher, ofdb.de)

Jane und Harry wollen ihr Wochenende am Meer verbringen, doch schon auf dem Weg entbrennt zwischen den beiden der erste gewohnheitsmäßige Streit. Als am nächsten Morgen plötzlich eine Rockerbande vor der Tür ihres Strandhauses steht, werden die Karten ihrer in bürgerlichen Automatismen erstarrten Ehe neu gemischt...
Ernesto Gastaldi, unermüdlich produktiver, aus dem italienischen Genrekino seiner Zeit kaum wegzudenkender Drehbuchautor, erweist sich mit diesem ästhetisch an den Italowestern angelehnten Home-Invasion-Thriller auch als überraschend souveräner Filmemacher, der in kargem Setting und dem trügerisch goldenen Licht einer tief über dem Meer stehenden Sonne auf einem "langen, kalten Strand" (so der Originaltitel) effektvoll einen ungemütlichen Clash zwischen Spießern und Aussteigern mit lustvoll dicken Pulp-Strichen zeichnet.

Voller Engagement will Carla bei ihrer ersten Stelle am Gymnasium alles richtig machen. Ihr Idealismus wird schnell vor eine große Herausforderung gestellt: Durch eine Serie von ungeklärten Diebstählen gerät sie in einen Konflikt, der sie zunehmend verzweifeln lässt. War es der deutsch-türkische Schüler aus ihrer Klasse oder ist die schuldige Person im Lehrer:innenzimmer zu finden? Mit einem ausgefeilten Drehbuch und exzellenten Schauspielleistungen erzählt Ilker Çatak von Alltagsrassismus, Klassismus und Mobbing an einer Schule. DAS LEHRERZIMMER zählte bei den Oscars© 2024 zu den nominierten Filmen in der Kategorie Bester Internationaler Film.

Auf Geheiß des Zauberbergs Sesam soll Wüstenheld Ali Baba dem Tyrannen Mustafa in Shiraz die heilige Krone überbringen, der diese zusammen mit der Hand Lotos fordert, der Tochter des eigentlichen Herrschers Hassan. Es folgen bizarre Kraftakte, seltsame Tänze, monströse Todesmaschinen und ein Ritt in die Welt der Geister… Nach VULCANO, FIGLIO DI GIOVE ist das die zweite der in Iran und Italien 1962 im Doppelpack gedrehten Koproduktionen von Emimmo Salvi (auch Regie) und Manouchehr Zamani. Es agieren wieder der eindrucksvoll hochtrainierte iranische Filmstar Iloosh Khoshabe, die kubanische Tänzerin Bella Cortez und der manisch blickende Furio Meniconi. Salvis Drehbuch dient der Stoff aus 1001 Nacht als bloßer Steinbruch für Namen und Orte, deren Neuzusammenstellung vor allem in zahlreich fetischistisch motivierten Elementen die sehr persönliche Handschrift dieses heute vergessenen italienischen Filmfantasten trägt.

In Budapest sind einige Forscher einem uralten religiösen Kult auf der Spur. Als der amerikanische Professor Alan Whitmore (Roland Wybenga) in der Stadt eintrifft, mehren sich eigenartige Vorfälle, die in einem unheimlichen Hotel ihren Höhepunkt finden: Der Kult scheint in Verbindung mit einer grausamen Spinnenplage zu stehen… Gianfranco Giagnis einziger Beitrag zum Horrorgenre mischt Elemente des im italienischen Kino der 1980er Jahre nicht selten anzutreffenden Tier-Horrorfilms mit Giallo-Motiven und Okkultismen à la Michele Soavi (LA CHIESA, LA SETTA) – das Resultat beeindruckt sowohl durch inszenatorische Eleganz, wie auch durch eine spektakuläre Aneignung der klassizistischen Genre-Vorbilder von Mario Bava oder Dario Argento. Franco Piersantis von schwermütigen Neoklassizismen sowie reizvollen Verneigungen vor Bernard Herrmann geprägte Vertonung verleiht dem spannungsreich inszenierten arachnoiden Alptraum dabei die nötige Gravitas, die den Film auch musikalisch in die Nähe der großen Meister Argento und Bava rückt.

Auf der Suche nach spektakulären Bildern ist dem skrupellosen Dokumentarfilmer Paolo (Philippe Leroy) jedes Mittel recht, auch wenn es bedeutet, Menschen auszubeuten, sie Gefahren auszusetzen oder der Realität mit gewaltsamen Mitteln nachzuhelfen. L’OCCHIO SELVAGGIO ist eine sehr frühe Auseinandersetzung mit den problematischen Methoden des Mondo-Films, dessen Urheber einer der drei Ko-Regisseure des Films MONDO CANE gewesen ist: Paolo Cavara stellt hier den von Leroy gespielten Dokumentarfilmer in den Vordergrund, der einerseits auf Gualtiero Jacopetti basiert, andererseits aber auch den Namen Paolo trägt. Jacopetti machte aus Reportage Unterhaltung und aus Kolportage Kunst. Sein „wildes Auge“ kannte keine Moral. Cavara geht es in seinem Film nicht nur darum, Jacopettis Handlungen kritisch zu beleuchten, sondern auch um eine Reflektion seiner eigenen Rolle bei einem Film wie MONDO CANE.

Mama Muh will nicht nur im Stall stehen, sondern etwas erleben. Ihre neueste Idee ist es, ein eigenes Musical auf die Bühne zu bringen. Dabei verliert sie den Teddy des kleinen Jungen Lillebror. Gemeinsam mit ihrem Freund der Krähe macht sie sich auf die Suche. Der dritte Kinofilm über Mama Muh stellt erneut die Freundschaft zwischen der unkonventionellen Kuh und der kritischen Krähe in den Mittelpunkt.

Der Amerikaner James Anders (Edward G. Robinson) arbeitete 30 Jahre lang als Englischlehrer in Rio de Janeiro. Nun plant er einen spektakulären Diamantenraub in der Bank, die sich direkt gegenüber seiner Schule befindet. Dazu trommelt er mithilfe seines Mafiafreundes Mark (Adolfo Celi) eine vierköpfige Gruppe von Experten zusammen. Die Profis müssen nicht nur einen Safe knacken, sondern auch das Vertrauen einer unscheinbaren Sekretärin gewinnen, die den Schlüssel zum Bankgebäude besitzt. Doch sie haben die Rechnung nicht ohne das neuartige Alarmsystem « Grand Slam 70 » gemacht… Mit einem Easy-Listening-Score von Ennio Morricone, pittoresken Bildern, ausgelassener Karnevalsatmosphäre und einer klassischen Bankraub-Konstellation ist dies vermutlich Giuliano Montaldos kommerziellster Film. Doch die ausgesuchte Besetzung verleiht den Standard-Situationen eine spannende Reibefläche.

Nach dem Tod seiner Frau ist Gurupad auf der Suche nach Seelenfrieden und erwägt es, sich dem Orden des charismatischen Gurus Birinchi Baba anzuschließen. Dieser behauptet, lange genug gelebt zu haben, um Plato, Jesus, Einstein und Buddha getroffen und beeinflusst zu haben. Satya, der Freund von Gurupads Tochter, wiederum fürchtet, dass seine Hochzeit abgesagt werden könnte, wenn seine Geliebte ein Keuschheitsgelübde ablegt, und macht sich auf, die Wahrheit über den Guru herauszufinden.

„Mit Bavas Horror-Schlüsselwerk begann die einzigartige Karriere der Barbara Steele, dem dunklen Star des Wunderbaren. Sinnlichkeit und Unschuld, Melancholie und Tod umgeben sie: Sie gehört zu den letzten Diven, ein traurig-geheimnisvoller Vamp. [...]. Die erste Regie-Arbeit des Kameramanns Mario Bava, in barockem Chiaroscuro gehalten, ist ein grandioser Film über die Kraft des Weiblichen (und die Angst vor dem Inzest): Wenn Asa einen Liebhaber auferstehen lässt durch ihre Magie, ist dies, als gebäre sie einen Sohn. Man könne sich gar nicht vorstellen, hat Robert Fischer gemeint, wie dieser Film überhaupt gedreht worden sei, in einer bunten Wirklichkeit von einem tatsächlichen Aufnahmeteam. Er wirke einfach wie ein Stück direkt aus dem Unterbewusstsein.“ (Hans Schifferle, in: Die 100 besten Horror-Filme)
Zu sehen ist die vollständige Fassung des einst nur gekürzt und irreführend betitelt als DIE STUNDE, WENN DRACULA KOMMT in die deutschen Kinos gekommenen Films.

Der empfindsame IT-Yuppie Cliff zieht nach New Orleans, wo er das selbstbewusste Callgirl „Gloria“ kennenlernt und in ihren Bann gerät. Das macht Cliffs Beziehung zu seinem Liebhaber Jason nicht einfacher, in dessen Wohnung er wohnt. Währenddessen wird Sarah von einem Kunden erpresst… Wie in 11 TAGE, 11 NÄCHTE stehen in der Fortsetzung zwei Welten nebeneinander, bis sie sich berühren und schließlich um ihre Existenz kämpfen. Eröffnend: der Reigen von Glorias Kundenbesuchen, geprägt von Lust, dem Spiel mit Distanz und Macht, Verführung und Ausbeutung. Zunehmend Raum gewinnt dann aber auch die Welt der Liebesbeziehung, die zunächst noch unter den quälenden Sternen des Hingehaltenwerdens, des Verfehlens und Nicht-Ans-Ziel-Kommens steht – das alles zur rhythmisch schwingenden Musik von Piero Montanari, die maßgeblich zum unwiderstehlich lässigen Erzählfluss des Films beiträgt.

Dario Argento, der im vergangenen Jahr Ehrengast bei TERZA VISIONE war, widmete das Kino des DFF im Juli 2023 eine umfangreiche Werkschau. Nun ist der neue Dokumentarfilm über Argento als Deutschlandpremiere im DFF zu sehen. Regisseur Simone Scafidi folgt dem berühmten Horror- und Thriller-Regisseur zunächst in ein Hotelzimmer, in dem er an einem neuen Drehbuch arbeitet. Es folgt eine vielschichtige Annäherung an sein Lebenswerk, in dem einerseits Argento selbst über sein Schaffen reflektiert, aber auch wichtige Wegbegleiter wie seine Tochter Asia Argento, Hauptdarstellerin mehrerer seiner Filme, Einblicke in sein künstlerisches und privates Leben geben, während Bewunderer und Regie-Kollegen wie Gaspar Noé, Guillermo del Toro und Nicholas Winding Refn von Argentos Einfluss auf ihre Arbeit sprechen.

Als Francesco Dominici aus der Kriegsgefangenschaft in seine sizilianische Heimat zurückkehrt, findet er sich mit vollendeten, unliebsamen Tatsachen konfrontiert: Agostino Bonfiglio, ein örtlicher Viehbaron, hat sich nicht nur seine kleine Schafsherde unter den Nagel gerissen, sondern auch Francescos Verlobte Lucia. Eine erbitterte Fehde der beiden Familien entbrennt... Obwohl Giuseppe De Santis, der große Vergessene des Neorealismus, den Nachfolger seines Erfolgsfilms BITTERER REIS (1949) dem Ruf der damaligen Kritiken entsprechend "weniger amerikanisch" gestalten wollte, mutet KEIN FRIEDEN UNTER DEN OLIVENBÄUMEN dennoch ein wenig an wie ein italienisches Äquivalent der US-Western seiner Zeit, stilistische Kühnheit inklusive: Zwischen den steilen Klippen und tiefen Tälern der sizilianischen Berge toben hier Stürme existenzieller Not und Begehren, findet der überzeugte Kommunist De Santis hitzeglühende Bilder für die zeitlosen Geißeln des in Armut gefangenen italienischen Südens: soziale Grabenkämpfe und verzweifeltes Ringen um das bisschen Stolz, welches Besitz und Familie der Bevölkerung dieser kargen Landschaft bedeuten können.

Nach fünf Jahren rastlos kreativer und produktiver Zusammenarbeit mit dem beispiellos erfolgreichen Slapstick-Duo Franco & Ciccio und einem Dutzend gemeinsamer Filme (auf denen seine Karriere maßgeblich aufbaute) witterte der bis dahin auf Komödien abonnierte Steno-Schüler Lucio Fulci nach einigen erfolgreichen Ausflügen in andere Genres Morgenluft. Doch bevor er künstlerisch seiner eigenen Wege ging, schenkte er den beiden sizilianischen Volkskomikern noch einen ihrer lustigsten Filme: Als trottelige Diener in reichem Hause sind sie mit der Pflege eines längst verstorbenen Grafen betraut - denn dessen Geist, so ist seine spleenige Witwe überzeugt, lebt im Körper seiner geliebten Katze weiter! Als das notorisch übellaunige Tier entläuft, ist die Not groß, soll doch das gesamte Erbe der Contessa an den preziösen Vierpföter gehen. Ihre von Fulci gewohnt virtuos und mit sichtlicher Freude am Schalk inszenierte, aufreibende Odyssee durch Rom führt unsere beiden glücklosen Helden und das Hausmädchen Gina in haarsträubende Situationen als unfreiwillige Party-Crasher, Geheimagenten, Fummeltanten und vieles mehr.

Die Wissenschaftlerin Alma erklärt sich bereit, drei Wochen mit einem humanoiden Roboter zusammenzuleben, der den perfekten Partner verkörpern soll. „Es entfaltet sich eine Tragikomödie, die Vorstellungen von Liebe und Sehnsucht auslotet und fragt, was den Menschen ausmacht.“ (Berlinale) Neben zahlreichen Auszeichnungen beim Deutschen Filmpreis wurde Maren Eggert 2021 bei der Berlinale für die Interpretation der Hauptrolle ausgezeichnet.

„Ein grandioser Regieeinfall: Zwei Staatsdiener (Franco Nero als Staatsanwalt und Martin Balsam als Polizist) brüllen sich in der Gebirgswüste Siziliens an. Sie (…) trennen sich unversöhnt. Beide steigen vor Wut versehentlich ins Auto des anderen. Die Kamera zieht auf, und wir sehen, dass sie einen sehr ähnlichen Kleinwagentyp fahren, beide schwarz. Sie bemerken den Irrtum gleichzeitig, steigen wieder aus, und jeder geht schweigend und trotzig am anderen vorbei zu seinem richtigen Auto. Diese Idee erzählt natürlich, dass sie eigentlich aus dem gleichen Schrot und Korn gemacht und beide alles andere als bestechlich sind. Am Ende des Films werden sie einander als einzige noch vertrauen können in der zersetzenden Atmosphäre, die die Machenschaften der Camorra über ein ganzes Land legt. [...] DER CLAN, DER SEINE FEINDE LEBENDIG EINMAUERT ist einer der besten Mafiafilme überhaupt, und Franco Nero erzählt in einem Interview stolz, dass kein anderer italienischer Film jemals international so gut verkauft wurde. Der enorme Erfolg gerade dieses Films muss mit den fabelhaften Schauspielern, dem unverwechselbar italodynamischen Erzählstil, mit der förmlich spürbaren Wut des Regisseurs auf die verdorbene Führungsschicht seines Landes und vor allem mit der wirklich atemberaubenden Geschichte zu tun haben.“ (Dominik Graf, in: Schläft ein Lied in allen Dingen)

“Preacher man, policeman, working together both can fight, black and white, and they're tough guys.” Die dem deutschen Titel entnommenen himmlischen Fäuste gehören Lino Venturas Father Charlie, einem taffen Priester (und irgendwie auch Sozialarbeiter) aus Chicago, der den Mord an einem alten Freund aufklären will. Unterstützung bekommt er dabei von dem Polizisten Lee (Isaac Hayes), der eine Chance wittert, seinen Namen reinzuwaschen. Der von Dino De Laurentiis produzierte TOUGH GUYS ist ein Unikum, da er den italienischen Gangster- und Polizeifilm mit dem damals in den USA so populären Blaxploitation-Genre kreuzt. Begleitet von einem wahrlich unterschätzten funky Soundtrack von Hayes, sehen wir (lange vor 48 HRS oder LETHAL WEAPON) dem dynamisch lockeren Gespann Ventura/Hayes dabei zu, wie sie ein Verbrechen aufklären, das sie Stück für Stück zum Gangster Joe Snake (Fred Williamson) führt – eine unverhoffte Vermählung von Bud-Spencer/Terence-Hill-Vibes und afroamerikanischem Selbstbewusstsein.

„Eine mögliche Inspiration Mario Bavas ist MANNEQUIN IN ROT, der zweite in einer Serie von fünf Filmen mit Karl-Arne Holmsten und Annalisa Ericson als verheiratetem Detektivgespann John und Kasja Hillman, allesamt basierend auf den Krimi-Bestsellern von Folke Mellvig. [...] Für seinen ersten Farbfilm ließ Arne Mattsson Sets und Darsteller so beleuchten, als drehe er in Schwarz-Weiß. (…) MANNEQUIN IN ROT (gewinnt) dadurch eine einzigartig samtige Textur, die viel zur luxuriösen Atmosphäre des Verbrechens und der Sünde beiträgt. [...] Wie in BLUTIGE SEIDE ist der Schauplatz ein Modesalon, der von einer Mordserie heimgesucht wird. (…) mit seinen schönen Frauen, dem weichen Licht und den umherschleichenden Kamerafahrten durch dunkle Salons evoziert – beziehungsweise antizipiert – er den Look von Bavas Gialli präziser, als es jedem Epigonen je gelang.“ (Tim Lucas, in: If Looks Could Kill. Cinema’s Images of Fashion, Crime and Violence)

Mama Muh will nicht nur im Stall stehen, sondern etwas erleben. Ihre neueste Idee ist es, ein eigenes Musical auf die Bühne zu bringen. Dabei verliert sie den Teddy des kleinen Jungen Lillebror. Gemeinsam mit ihrem Freund der Krähe macht sie sich auf die Suche. Der dritte Kinofilm über Mama Muh stellt erneut die Freundschaft zwischen der unkonventionellen Kuh und der kritischen Krähe in den Mittelpunkt.

Eine stabile Auftragslage und die mit dem Ende der (Francisco-)Franco-Ära neu gewonnene Freigebigkeit der Zensoren ermöglichten Jesús Franco Anfang der 1980er Jahre eine Reihe niedrig budgetierter Eigenproduktionen, in denen er neben der Pflege seiner lebenslangen Obsessionen auch Experimente mit für ihn neuen Genre-Registern wagen konnte. LAS CHICAS DEL TANGA, außerhalb von Spanien nie vertrieben, überrascht unter diesen Filmen als leichtfüßige, episodische Sommerkomödie, die eine Vielzahl schillernder Charaktere und ihre materiellen, emotionalen und erotischen Sehnsüchte im Schatten der tristen Hoteltürme an der Costa Blanca entspannt zusammenfließen lässt.

Mit Robert Enrico würdigt der „Internationale Tag“ bei Terza Visione nach Jean Rollin eine weitere Galionsfigur des französischen Genrekinos. Der italienisch-stämmige Regisseur drehte in den 1960er und 1970er Jahren mit den größten Stars des europäischen Kinos; seine Filme kreisen oft um das große Abenteuer. So auch LES AVENTURIERS, der schon im Titel mottohaft für die Ausrichtung von Enricos Filmographie steht. Hochkarätig besetzt mit zwei der prominentesten Stars des französischen Kinos der 1960er, Alain Delon und Lino Ventura, verschreibt sich LES AVENTURIERS dem klassischen Schatzsucher-Topos: Der Sportflieger Roland (Ventura) und der Rennwagen-Mechaniker Manu (Delon) werden von der Künstlerin Laetitia (Joanna Shimkus) überredet, vor der Küste des Kongo nach einem Flugzeugwrack zu tauchen, in dem ein Schatz verborgen liegt. Enrico inszeniert diese Dreiecksbeziehung als packenden, zuweilen aber auch von spielerischer Leichtigkeit beseelten, romantischen Abenteuerrausch – zu Land, zu Wasser und in der Luft.

Eine alte Dame lebt in einer Villa am Meer, wo sie whiskeybetankt Erotik- und Kriminalromane übersetzt. Leidenschaftlich gern unternimmt sie Ausflüge mit ihrem Porsche und veranstaltet Partys mit jungen, in Leder gekleideten Motorradfahrern. Eines Tages bekommt sie Besuch von ihrer Nichte Julija, deren Mann David und ihrem Liebhaber Adam. Als die Verlegerin der Tante hinzustößt, verwandelt sich die Villa in eine Kommune der freien Liebe – bis die Idylle durch mysteriöse Todesfälle getrübt wird.

Für ihre Rolle hat sich die über 70-jährige Schauspielerin Duša Pockaj mit den Feinheiten von Disco-Tanzschritten vertraut gemacht und es hat sich gelohnt: UBIJ ME NEŽNO startet mit einem überdrehten Prolog, verbindet Comic mit dem Nouveau Roman, Erotik, Camp und Pulpnovellen und folgt mit zunehmender Laufzeit einer ganz eigenen Traumlogik. Boštjan Hladnik studierte in den späten 1950ern in Paris und arbeitete unter anderem mit Claude Chabrol zusammen. In UBIJ ME NEŽNO kanalisiert er verschiedene Obsessionen und es gelingt ihm, in einem barocken Spiel gängige Geschlechtervorstellungen und -grenzen durcheinanderzuwirbeln.

In Kooperation mit goEast - Festival des mittel- und osteuropäischen Films.

Corman selbst hielt THE LITTLE SHOP OF HORRORS für seine größte Leistung: „Das Drehbuch entstand an einem einzigen Abend. Gedreht wurde an zwei Tagen und einer Nacht in recycelten Sets. Jack Nicholson spielte eine seiner ersten Rollen. Der Film wurde ein Riesenerfolg und als Musical weltberühmt.“ Tatsächlich wurden einige Außenaufnahmen später gedreht, aber die logistische Leistung ist dennoch enorm und war nur möglich durch den Einsatz zweier Kameras gleichzeitig für jede Szene. Das Musical wurde wiederum 1986 verfilmt. Dies ist das Original: eine Horrorkomödie über einen schüchternen Assistenten in einem Blumenladen, der eine fleischfressende Pflanze kultiviert, die sich von menschlichem Blut ernährt. Und Jack Nicholson in seinem Auftritt als Masochist ist ein Vergnügen besonderer Art.

Von den persönlichen Erlebnissen der jüdisch-kanadischen Regisseurin Emma Seligmann inspiriert, erzählt der Spielfilm einen Tag im Leben der 19-jährigen bisexuellen New Yorkerin Danielle, die Gender Studies studiert und mit ihrer gut situierten jüdischen Familie an einer Schiwa, einer jüdischen Trauerfeier, teilnimmt. Dort sieht sie sich nicht nur mit ihrer ehemaligen Geliebten Maya, sondern auch mit ihrem heimlichen Liebhaber und „Sugar Daddy“ Max sowie dessen nicht-jüdischer Ehefrau und neugeborenem Baby konfrontiert. In einer sowohl formal-ästhetischen als auch emotionalen Tour de Force begegnen dem Publikum in diesem queer-feministischen Kammerspiel Stereotypen des Jüdischen, die zugleich überzeichnet und ad absurdum geführt werden. Shiva Baby stellt ein interessantes Beispiel für die enge Verzahnung von Medien, Geschlecht und Jüdischsein dar. Der Film verdeutlicht nicht nur das problematische Verhältnis zwischen Aufklärung, Sichtbarmachung und Ausstellen geschlechtlich kodierter jüdischer Identität(en) in zeitgenössischen Medien, sondern erweitert darüber hinaus etablierte Vorstellungen des „Jüdischen“ um eine bisher marginalisierte queer-feministische Perspektive.

Die dritte der klassischen Verfilmungen des Romans von Victor Hugo war seit der Stummfilmzeit die erste französische. Das Drehbuch von Jean Aurenche und Jacques Prévert hält sich enger an die Romanvorlage als die amerikanischen Versionen, vor allem bei der Darstellung der Religion und der Priester, welche aus Zensurgründen in den USA abgemildert wurde. Jean Delannoys Film enthält auch mehr folkloristische und komödiantische Momente als die beiden Vorgänger. Anthony Quinn in der Rolle des Quasimodo ist in seiner äußeren Erscheinung erheblich weniger deformiert als Lon Chaney und Charles Laughton und erweist sich schauspielerisch als würdiger Nachfolger der beiden.

Die Wissenschaftlerin Alma erklärt sich bereit, drei Wochen mit einem humanoiden Roboter zusammenzuleben, der den perfekten Partner verkörpern soll. „Es entfaltet sich eine Tragikomödie, die Vorstellungen von Liebe und Sehnsucht auslotet und fragt, was den Menschen ausmacht.“ (Berlinale) Neben zahlreichen Auszeichnungen beim Deutschen Filmpreis wurde Maren Eggert 2021 bei der Berlinale für die Interpretation der Hauptrolle ausgezeichnet.

Um ihrem restriktiven, türkischen Elternhaus zu entkommen, bittet Sibel den um einiges älteren Cahit, einen zynischen Alkoholiker, eine Scheinehe mit ihr einzugehen. Zunächst genießt die 20 Jahre alte Sibel das Leben in "Freiheit": Sie tanzt die Nächte durch, geht mit verschiedenen Männern ins Bett, tobt ihre Lebenslust aus. Auch Cahit schöpft plötzlich neuen Lebensmut. GEGEN DIE WAND wurde auf der Berlinale mit dem Goldenen Bären ausgezeichnet und markierte für Fatih Akin den internationalen Durchbruch.

„Mit Bavas Horror-Schlüsselwerk begann die einzigartige Karriere der Barbara Steele, dem dunklen Star des Wunderbaren. Sinnlichkeit und Unschuld, Melancholie und Tod umgeben sie: Sie gehört zu den letzten Diven, ein traurig-geheimnisvoller Vamp. [...]. Die erste Regie-Arbeit des Kameramanns Mario Bava, in barockem Chiaroscuro gehalten, ist ein grandioser Film über die Kraft des Weiblichen (und die Angst vor dem Inzest): Wenn Asa einen Liebhaber auferstehen lässt durch ihre Magie, ist dies, als gebäre sie einen Sohn. Man könne sich gar nicht vorstellen, hat Robert Fischer gemeint, wie dieser Film überhaupt gedreht worden sei, in einer bunten Wirklichkeit von einem tatsächlichen Aufnahmeteam. Er wirke einfach wie ein Stück direkt aus dem Unterbewusstsein.“ (Hans Schifferle, in: Die 100 besten Horror-Filme)
Zu sehen ist die vollständige Fassung des einst nur gekürzt und irreführend betitelt als DIE STUNDE, WENN DRACULA KOMMT in die deutschen Kinos gekommenen Films.

Mama Muh will nicht nur im Stall stehen, sondern etwas erleben. Ihre neueste Idee ist es, ein eigenes Musical auf die Bühne zu bringen. Dabei verliert sie den Teddy des kleinen Jungen Lillebror. Gemeinsam mit ihrem Freund der Krähe macht sie sich auf die Suche. Der dritte Kinofilm über Mama Muh stellt erneut die Freundschaft zwischen der unkonventionellen Kuh und der kritischen Krähe in den Mittelpunkt.

Corman selbst hielt THE LITTLE SHOP OF HORRORS für seine größte Leistung: „Das Drehbuch entstand an einem einzigen Abend. Gedreht wurde an zwei Tagen und einer Nacht in recycelten Sets. Jack Nicholson spielte eine seiner ersten Rollen. Der Film wurde ein Riesenerfolg und als Musical weltberühmt.“ Tatsächlich wurden einige Außenaufnahmen später gedreht, aber die logistische Leistung ist dennoch enorm und war nur möglich durch den Einsatz zweier Kameras gleichzeitig für jede Szene. Das Musical wurde wiederum 1986 verfilmt. Dies ist das Original: eine Horrorkomödie über einen schüchternen Assistenten in einem Blumenladen, der eine fleischfressende Pflanze kultiviert, die sich von menschlichem Blut ernährt. Und Jack Nicholson in seinem Auftritt als Masochist ist ein Vergnügen besonderer Art.

Francis begibt sich aus Guinea-Bissau auf die Reise von Afrika nach Europa in der Hoffnung auf ein besseres Leben. Als sein Boot in einen Sturm gerät, schwört er, ein anständiger Mensch zu werden, wenn er nur gerettet wird. Sein Weg führt ihn nach Berlin, wo er hin und hergerissen ist zwischen seiner Beziehung zu Mieze und den Geschäften des Drogendealers Reinhold. Mit einer beeindruckenden, von Dunkelheit und Neonlicht geprägten Bildsprache gelingt es Burhan Qurbani, Alfred Döblins Romanklassiker zeitgemäß zu adaptieren und eigene thematische Akzente zu setzen.

Nach dem Tod seiner Frau ist Gurupad auf der Suche nach Seelenfrieden und erwägt es, sich dem Orden des charismatischen Gurus Birinchi Baba anzuschließen. Dieser behauptet, lange genug gelebt zu haben, um Plato, Jesus, Einstein und Buddha getroffen und beeinflusst zu haben. Satya, der Freund von Gurupads Tochter, wiederum fürchtet, dass seine Hochzeit abgesagt werden könnte, wenn seine Geliebte ein Keuschheitsgelübde ablegt, und macht sich auf, die Wahrheit über den Guru herauszufinden.

Eine junge Spanierin, vier junge Berliner und der Rausch einer Nacht in einer einzigen Einstellung – mehr brauchte VICTORIA nicht, um DAS deutsche Kinoereignis 2015 zu werden. Mit ungebremster Spielfreude füllen die fünf Jungschauspieler Sebastian Schippers zwölfseitiges Drehbuch in 140 Minuten mit Leben. Bei der Verleihung der Deutschen Filmpreise wurde VICTORIA mit sechs Lolas und bei der Berlinale mit dem Silbernen Bären für die beste Kamera ausgezeichnet.

Mama Muh will nicht nur im Stall stehen, sondern etwas erleben. Ihre neueste Idee ist es, ein eigenes Musical auf die Bühne zu bringen. Dabei verliert sie den Teddy des kleinen Jungen Lillebror. Gemeinsam mit ihrem Freund der Krähe macht sie sich auf die Suche. Der dritte Kinofilm über Mama Muh stellt erneut die Freundschaft zwischen der unkonventionellen Kuh und der kritischen Krähe in den Mittelpunkt.

Francis begibt sich aus Guinea-Bissau auf die Reise von Afrika nach Europa in der Hoffnung auf ein besseres Leben. Als sein Boot in einen Sturm gerät, schwört er, ein anständiger Mensch zu werden, wenn er nur gerettet wird. Sein Weg führt ihn nach Berlin, wo er hin und hergerissen ist zwischen seiner Beziehung zu Mieze und den Geschäften des Drogendealers Reinhold. Mit einer beeindruckenden, von Dunkelheit und Neonlicht geprägten Bildsprache gelingt es Burhan Qurbani, Alfred Döblins Romanklassiker zeitgemäß zu adaptieren und eigene thematische Akzente zu setzen.

Dario Argento, der im vergangenen Jahr Ehrengast bei TERZA VISIONE war, widmete das Kino des DFF im Juli 2023 eine umfangreiche Werkschau. Nun ist der neue Dokumentarfilm über Argento als Deutschlandpremiere im DFF zu sehen. Regisseur Simone Scafidi folgt dem berühmten Horror- und Thriller-Regisseur zunächst in ein Hotelzimmer, in dem er an einem neuen Drehbuch arbeitet. Es folgt eine vielschichtige Annäherung an sein Lebenswerk, in dem einerseits Argento selbst über sein Schaffen reflektiert, aber auch wichtige Wegbegleiter wie seine Tochter Asia Argento, Hauptdarstellerin mehrerer seiner Filme, Einblicke in sein künstlerisches und privates Leben geben, während Bewunderer und Regie-Kollegen wie Gaspar Noé, Guillermo del Toro und Nicholas Winding Refn von Argentos Einfluss auf ihre Arbeit sprechen.

Die dritte der klassischen Verfilmungen des Romans von Victor Hugo war seit der Stummfilmzeit die erste französische. Das Drehbuch von Jean Aurenche und Jacques Prévert hält sich enger an die Romanvorlage als die amerikanischen Versionen, vor allem bei der Darstellung der Religion und der Priester, welche aus Zensurgründen in den USA abgemildert wurde. Jean Delannoys Film enthält auch mehr folkloristische und komödiantische Momente als die beiden Vorgänger. Anthony Quinn in der Rolle des Quasimodo ist in seiner äußeren Erscheinung erheblich weniger deformiert als Lon Chaney und Charles Laughton und erweist sich schauspielerisch als würdiger Nachfolger der beiden.

Eine junge Spanierin, vier junge Berliner und der Rausch einer Nacht in einer einzigen Einstellung – mehr brauchte VICTORIA nicht, um DAS deutsche Kinoereignis 2015 zu werden. Mit ungebremster Spielfreude füllen die fünf Jungschauspieler Sebastian Schippers zwölfseitiges Drehbuch in 140 Minuten mit Leben. Bei der Verleihung der Deutschen Filmpreise wurde VICTORIA mit sechs Lolas und bei der Berlinale mit dem Silbernen Bären für die beste Kamera ausgezeichnet.

Voller Engagement will Carla bei ihrer ersten Stelle am Gymnasium alles richtig machen. Ihr Idealismus wird schnell vor eine große Herausforderung gestellt: Durch eine Serie von ungeklärten Diebstählen gerät sie in einen Konflikt, der sie zunehmend verzweifeln lässt. War es der deutsch-türkische Schüler aus ihrer Klasse oder ist die schuldige Person im Lehrer:innenzimmer zu finden? Mit einem ausgefeilten Drehbuch und exzellenten Schauspielleistungen erzählt Ilker Çatak von Alltagsrassismus, Klassismus und Mobbing an einer Schule. DAS LEHRERZIMMER zählte bei den Oscars© 2024 zu den nominierten Filmen in der Kategorie Bester Internationaler Film.

Im Gefolge des Erfolgs von BONNIE AND CLYDE (1967) und als eine Art Antithese zu diesem konzipiert, spielt dieser Film in den 1930er Jahren während der Depression in den Südstaaten der USA, und auch hier ziehen Menschen raubend, mordend und kidnappend durch die Lande. Aber hier ist es eine Familie, und zwar eine dominante Mutter mit ihren vier schwächlichen Söhnen – eine höchst psychopathische Familie, die von perversen, sadistischen und masochistischen Impulsen zusammengehalten wird und die in Vielem die debilen Südstaatenfamilien etlicher amerikanischer Horrorfilme der 1970er und 1980er Jahre vorwegnimmt. Corman stellt sie aber keineswegs als Monster aus, sondern führt ihre antibürgerliche Lebensweise beinahe nüchtern registrierend vor.

Statt mit ihren Freudinnen ins Zeltlager zu fahren, soll die zwölfjährige Belgraderin Sofija die Sommerferien mit ihrer Oma auf der kroatischen Insel Hvar verbringen. Davon ist sie zunächst wenig begeistert. Doch nach und nach findet Sofija mehr über die Vergangenheit ihrer Familie heraus und schließlich wird es doch ein aufregender Sommer. Der feinfühlige Coming-of-Age-Film kombiniert schwere und leichte Themen und vermittelt durch seine in warmen Farben ausgeleuchteten Szenen ein wunderbares Sommer-Feeling.

Statt mit ihren Freudinnen ins Zeltlager zu fahren, soll die zwölfjährige Belgraderin Sofija die Sommerferien mit ihrer Oma auf der kroatischen Insel Hvar verbringen. Davon ist sie zunächst wenig begeistert. Doch nach und nach findet Sofija mehr über die Vergangenheit ihrer Familie heraus und schließlich wird es doch ein aufregender Sommer. Der feinfühlige Coming-of-Age-Film kombiniert schwere und leichte Themen und vermittelt durch seine in warmen Farben ausgeleuchteten Szenen ein wunderbares Sommer-Feeling.

Statt mit ihren Freudinnen ins Zeltlager zu fahren, soll die zwölfjährige Belgraderin Sofija die Sommerferien mit ihrer Oma auf der kroatischen Insel Hvar verbringen. Davon ist sie zunächst wenig begeistert. Doch nach und nach findet Sofija mehr über die Vergangenheit ihrer Familie heraus und schließlich wird es doch ein aufregender Sommer. Der feinfühlige Coming-of-Age-Film kombiniert schwere und leichte Themen und vermittelt durch seine in warmen Farben ausgeleuchteten Szenen ein wunderbares Sommer-Feeling.

Statt mit ihren Freudinnen ins Zeltlager zu fahren, soll die zwölfjährige Belgraderin Sofija die Sommerferien mit ihrer Oma auf der kroatischen Insel Hvar verbringen. Davon ist sie zunächst wenig begeistert. Doch nach und nach findet Sofija mehr über die Vergangenheit ihrer Familie heraus und schließlich wird es doch ein aufregender Sommer. Der feinfühlige Coming-of-Age-Film kombiniert schwere und leichte Themen und vermittelt durch seine in warmen Farben ausgeleuchteten Szenen ein wunderbares Sommer-Feeling.

Robert möchte seinen Vater zu besuchen, der für ein Erdgas-Projekt in der turkmenischen Karakum-Wüste arbeitet. Am Flughafen wird er vom Lastwagenfahrer Pjotr und dessen Neffen Murad abgeholt. Als das Fahrzeug eine Panne hat und Pjotr vom Wasserholen nicht zurückkehrt, sind die Jungen auf sich allein gestellt. Ohne die Sprache des anderen zu verstehen, müssen sie nun gemeinsam einen Ausweg finden. Der Abenteuerfilm erzählt mit faszinierenden Bildern der Wüstenlandschaft von einer Freundschaft über Sprach- und Kulturgrenzen hinweg.

Robert möchte seinen Vater zu besuchen, der für ein Erdgas-Projekt in der turkmenischen Karakum-Wüste arbeitet. Am Flughafen wird er vom Lastwagenfahrer Pjotr und dessen Neffen Murad abgeholt. Als das Fahrzeug eine Panne hat und Pjotr vom Wasserholen nicht zurückkehrt, sind die Jungen auf sich allein gestellt. Ohne die Sprache des anderen zu verstehen, müssen sie nun gemeinsam einen Ausweg finden. Der Abenteuerfilm erzählt mit faszinierenden Bildern der Wüstenlandschaft von einer Freundschaft über Sprach- und Kulturgrenzen hinweg.

Robert möchte seinen Vater zu besuchen, der für ein Erdgas-Projekt in der turkmenischen Karakum-Wüste arbeitet. Am Flughafen wird er vom Lastwagenfahrer Pjotr und dessen Neffen Murad abgeholt. Als das Fahrzeug eine Panne hat und Pjotr vom Wasserholen nicht zurückkehrt, sind die Jungen auf sich allein gestellt. Ohne die Sprache des anderen zu verstehen, müssen sie nun gemeinsam einen Ausweg finden. Der Abenteuerfilm erzählt mit faszinierenden Bildern der Wüstenlandschaft von einer Freundschaft über Sprach- und Kulturgrenzen hinweg.

Robert möchte seinen Vater zu besuchen, der für ein Erdgas-Projekt in der turkmenischen Karakum-Wüste arbeitet. Am Flughafen wird er vom Lastwagenfahrer Pjotr und dessen Neffen Murad abgeholt. Als das Fahrzeug eine Panne hat und Pjotr vom Wasserholen nicht zurückkehrt, sind die Jungen auf sich allein gestellt. Ohne die Sprache des anderen zu verstehen, müssen sie nun gemeinsam einen Ausweg finden. Der Abenteuerfilm erzählt mit faszinierenden Bildern der Wüstenlandschaft von einer Freundschaft über Sprach- und Kulturgrenzen hinweg.

Als der Freizeitpark-Besitzer Jackel stirbt, müssen die zerstrittenen Verwandten entscheiden, was mit dem altmodischen Park geschehen soll. Tammi, Jackels Enkelin, ist zunächst genervt von der Reise in die Provinz, wo sie auf ihre Cousinen Umbo und Keks trifft. Doch die Mädchen müssen sich schnell zusammenraufen, denn durch einen Blitzeinschlag erwachen drei Gestalten aus der Geisterbahn zum Leben. Gemeinsam versuchen sie, den Park zu retten und die Familie zu versöhnen. Die Inspiration für die Fantasy-Komödie lieferte die gleichnamige, in der DDR produzierte Serie von 1979.

Als der Freizeitpark-Besitzer Jackel stirbt, müssen die zerstrittenen Verwandten entscheiden, was mit dem altmodischen Park geschehen soll. Tammi, Jackels Enkelin, ist zunächst genervt von der Reise in die Provinz, wo sie auf ihre Cousinen Umbo und Keks trifft. Doch die Mädchen müssen sich schnell zusammenraufen, denn durch einen Blitzeinschlag erwachen drei Gestalten aus der Geisterbahn zum Leben. Gemeinsam versuchen sie, den Park zu retten und die Familie zu versöhnen. Die Inspiration für die Fantasy-Komödie lieferte die gleichnamige, in der DDR produzierte Serie von 1979.

Ein moderiertes Kurzfilmprogramm zu den Anfängen des Kinos: Gezeigt wird eine Auswahl von mehr als 100 Jahre alten dokumentarischen Aufnahmen, fantastische und auch farbige Filme – und der erste Hundestar der Filmgeschichte.

Ein moderiertes Kurzfilmprogramm zu den Anfängen des Kinos: Gezeigt wird eine Auswahl von mehr als 100 Jahre alten dokumentarischen Aufnahmen, fantastische und auch farbige Filme – und der erste Hundestar der Filmgeschichte.

In den Sommerferien fährt die zehnjährige Emma zu ihrer Großmutter Dolly aufs Land. Nach dem Tod des wohlhabenden Nachbars will dessen einziger Verwandter, Neffe Albert Gansmann, das Erbe verkaufen und die eigenwillige Stute Mississippi schlachten lassen. Dolly kauft ihm das Pferd ab. Doch schon kurze Zeit später will Gansmann Mississippi überraschenderweise zurück. Vor der idyllischen Kulisse entfaltet sich eine spannende Kriminalgeschichte. Detlev Buck schuf seinen Kinderfilm mit Katharina Thalbach und Christoph Maria Herbst nach dem gleichnamigen Roman von Cornelia Funke.

In den Sommerferien fährt die zehnjährige Emma zu ihrer Großmutter Dolly aufs Land. Nach dem Tod des wohlhabenden Nachbars will dessen einziger Verwandter, Neffe Albert Gansmann, das Erbe verkaufen und die eigenwillige Stute Mississippi schlachten lassen. Dolly kauft ihm das Pferd ab. Doch schon kurze Zeit später will Gansmann Mississippi überraschenderweise zurück. Vor der idyllischen Kulisse entfaltet sich eine spannende Kriminalgeschichte. Detlev Buck schuf seinen Kinderfilm mit Katharina Thalbach und Christoph Maria Herbst nach dem gleichnamigen Roman von Cornelia Funke.

Paris in den 1950er Jahren: Der Zeichner Jean-Jacques Sempé und der Comicautor René Goscinny freunden sich an und beginnen, gemeinsam an den Geschichten von „Le petit Nicolas“ zu arbeiten. Dieser kleine Nick erwacht in den Bildern zum Leben. Sempé und Goscinny sprechen mit ihm, und immer wieder gehen dann einzelne Motive in die gezeichnete Welt ein. Der Animationsfilm verknüpft Realität und Imagination und erzählt so von der Kunst des Geschichtenerzählens.

Paris in den 1950er Jahren: Der Zeichner Jean-Jacques Sempé und der Comicautor René Goscinny freunden sich an und beginnen, gemeinsam an den Geschichten von „Le petit Nicolas“ zu arbeiten. Dieser kleine Nick erwacht in den Bildern zum Leben. Sempé und Goscinny sprechen mit ihm, und immer wieder gehen dann einzelne Motive in die gezeichnete Welt ein. Der Animationsfilm verknüpft Realität und Imagination und erzählt so von der Kunst des Geschichtenerzählens.

Die zwölfjährige Mina verknallt sich in ihren neuen Mitschüler Edwin, einen Hip-Hop-Tänzer. Um ihm nahe zu sein, wird sie Mitglied einer Tanz-Crew. Doch sie kämpft mit Selbstzweifeln und problematischen Körperbildern. Der Film erzählt auf lustige und zugleich nachdenkliche Weise, wie Mina auf Umwegen zu sich selbst findet. Beim 46. LUCAS – Internationales Festival für junge Filmfans gewann DANCING QUEEN im Wettbewerb »Kids« den Preis für den besten Film.

Die zwölfjährige Mina verknallt sich in ihren neuen Mitschüler Edwin, einen Hip-Hop-Tänzer. Um ihm nahe zu sein, wird sie Mitglied einer Tanz-Crew. Doch sie kämpft mit Selbstzweifeln und problematischen Körperbildern. Der Film erzählt auf lustige und zugleich nachdenkliche Weise, wie Mina auf Umwegen zu sich selbst findet. Beim 46. LUCAS – Internationales Festival für junge Filmfans gewann DANCING QUEEN im Wettbewerb »Kids« den Preis für den besten Film.